In questa sezione sono elencati e commentati questi momenti particolari.

Il film della rinascita e della definitiva affermazione del regista dopo la controversa prova di "Sogni d'oro", nel quale nasce il personaggio misantropo ma contemporaneamente ansioso di entrare nel mondo dei sentimenti di Michele Apicella. Il momento "clou" del film è la confessione (vera o falsa?) di Michele al commissario (Roberto Vezzosi) della misteriosa catena di delitti che costella il film.
Ma la confessione, nello strano (ma credibile) ufficio pubblico seminterrato, dal quale si possono vedere i passanti, e dai quali Michele-Nanni prende spunto per il famoso monologo sulle scarpe (delle donne soprattutto), è preparata dalla solitaria riflessione nel bar fuori dal mondo (in realtà alle pendici del Gianicolo), dove coppie sorseggiano bibite (probabilmente gazzosa o spuma) e in sottofondo un juke-box (anche nel 1984 ne restavano pochi in giro) trasmette una struggente canzone di fine anni '60, che diventerà poi una icona musicale di Moretti.

La canzone è "Insieme a te non ci sto più", cantata da Caterina Caselli, le parole non sono casuali, parla di abbandono, e proprio la scelta dell'abbandono del mondo, e del rifugio in una reclusione ancora maggiore, è quella che Michele si appresta a compiere, addossandosi la colpa dei delitti (probabilmente non commessi da lui) per ritirarsi, sconfitto da un mondo troppo volgare che non riesce a modellare ed incasellare nei suoi inossidabili schemi mentali, dalle relazioni umane e uomo-donna in particolare che si rende conto resteranno per sempre per lui inconoscibili, in una reclusione ancora maggiore, totale, ben oltre quella che si era scelto, mitigata da barattoli extra-large di Nutella.

Quindi una scelta non casuale e controcorrente, una "canzonetta" all'origine, ma se ascoltata bene e in quel contesto, una canzone molto più profonda di quanto potesse apparire alla sua uscita, alla fine degli anni '60, nel momento d'oro della cantante simbolo del beat italiano (e poi colonna, come produttrice, della musica italiana popolare negli anni seguenti).

Da segnalare anche in questo film l’utilizzo per la prima volta di un altro grande autore al quale più volte ricorrerà, Franco Battiato, in questo caso con la sua canzone Scalo a Grado, del 1982, che commenta il drammatico e ridicolo tentativo di Michele Apicella di integrarsi tra le coppie sulla spiaggia in una domenica al mare.

In questo film l’alter-ego del misantropo Moretti escogita un'altra via di fuga dal mondo dei sentimenti che lo attrae, ma del quale non conosce la chiave; invece del carcere a vita come in Bianca, qui la strada è il sacerdozio ed il voto di castità. Nella prima scena del film lo vediamo raggiungere in barca il traghetto che lo porta via dalla sua prima parrocchia, che era infatti nell'isola di Ponza, destinazione una periferia romana, con un saluto freddo da parte dei suoi parrocchiani (evidentemente saper comunicare i sentimenti è necessario anche ad un prete).
La canzone simbolo arriva in un momento intenso del film, il padre e la madre del giovane prete si separano, e sappiamo quanto invece lui vorrebbe intorno un mondo di certezze e stabilità emotive. E la causa della separazione è proprio un innamoramento fuori tempo massimo del padre (interpretato da Ferruccio De Ceresa).

Il padre vorrebbe comunicare alla moglie e ai figli, e in particolare al figlio prete, e quindi programmaticamente inadeguato, l'emozione che ha ritrovato nell'innamoramento, e il figlio che non vorrebbe sentire quel discorso a cuore aperto, doppiamente imbarazzante perché proviene da suo padre (e coinvolge quindi anche sua madre) e perché lui ha fatto la scelta del sacerdozio cattolico (e quindi del sacramento del matrimonio indissolubile e della castità) e contemporaneamente come sacerdote non può sfuggire al dovere dell’ascolto.
Quindi, mentre la sorella legge ad alta voce la lettera che parla dei sentimenti d’amore ritrovati, lui trova un espediente, alza e abbassa il volume di una vecchia radio a transistor per coprire le parole più imbarazzanti del padre, mentre la radio sta trasmettendo casualmente la canzone apparentemente più incongrua, la desolata e romantica "Sei bellissima", pezzo forte di Loredana Bertè.
Una canzone che non a caso parla proprio di un amore totale, del desiderio di possesso e del fallimento.

Tra l'altro, curiosità, Loredana Bertè apprezzò molto questo inaspettato riconoscimento per un pezzo "da classifica" e lo disse pubblicamente in qualche occasione televisiva (Festivalbar o simili) dichiarando che un suo grande desiderio sarebbe stato avere di nuovo l'occasione di regalare una canzone al cinema di Moretti.

Un’altra canzone caratterizza due momenti topici del film, vale a dire il momento di unità della famiglia del prete, all’inizio della vicenda, con il padre e la madre che ballano, e ancora nel finale, la funzione in chiesa che si trasforma in una festa danzante in stile semplice e paesano, metafora forse ancora una volta del desiderio di concordia e armonia, sempre frustrato, del solitario Nanni Moretti che infatti, nelle vesti talari, sorride beato a vedere i suoi parrocchiani abbracciati sereni a ballare un vecchio successo di Bruno Lauzi, Ritornerai, dopo aver annunciato ancora una volta il suo fallimento e la fuga, anche da questo altro tentativo di relazione con gli altri, attraverso la decisione di partire missionario per un luogo che è fuori dal mondo per definizione, la terra del Fuoco cara a Bruce Chatwin.

Anche in questo film non manca Battiato, a sottolineare un momento nel quale il prete sembra ritrovare l’armonia, in un bar fuori dal mondo, ancora una volta, ma dove sembra inserirsi e dove una bambina gli legge un semplice tema e tutti sembrano vivere in armonia, e lui dice la famosa battuta “Vi amo, voi tutti che state in questo bar”. La canzone parla ovviamente della vita a un’altra velocità ed è “I treni per Tozeur”, il grande successo ottenuto assieme ad Alice del 1985.

La canzone guida di questo film è uno dei brani più belli di Franco Battiato, "E ti vengo a cercare", quindi non una scoperta o una stranezza, ma comunque un pezzo di qualità e comunque non commerciale.
Il film parla, come noto,o di un funzionario del vecchio PCI, in crisi nella fase di passaggio di questo movimento politico, quindi un film difficile che affronta in forma di metafora i temi del cambiamento della società e degli ideali che hanno coinvolto la generazione del dopoguerra.

La canzone entra la prima volta, appena accennata, nella sequenza iniziale di Moretti – Michele Apicella in macchina nel traffico di Roma, che canticchia distratto appunto il successo di Battiato mentre si diverte a fare le boccacce a due bambini piccoli nella macchina davanti (e così si distrae e va a sbattere su una macchina in sosta), e poi ritorna in grande nella tribuna politica che segna pubblicamente la crisi del funzionario, che inizia il solito discorso politico stereotipato, prosegue con le parole "questo … sentimento … popolare" e poi, continuando dopo una pausa, inizia a scandire le parole della canzone, passando piano piano al canto "nasce da meccaniche divine…", insomma una ironica presa in giro di tutto il rituale politico progressista.

Ma la canzone torna anche nel momento clou del film, durante la partita simbolica di pallanuoto, al momento della rimonta della squadra di Michele-Nanni, che aveva segnato appunto con la "palombella" (sarebbe il pallonetto del calcio), quando tutto il pubblico intona in coro a mo' di inno la canzone di Battiato.
(Testo completo).
Da segnalare ancora, a commento delle fasi salienti della partita, l’utilizzo di una canzone di Bruce Springsteen, “I’m On Fire”, dall’album “Born in the U.S.A.” del 1984.

E' l'episodio in forma di diario, che da' il titolo al film, premio alla regia a Cannes nel '94, e nel quale è registrato il girovagare per Roma d'agosto a bordo della famosa Vespa, diventata poi una icona degli anni '90. Un girovagare che alla fine porta Nanni Moretti (questa volta in prima persona, è il film nel quale è abbandonato il personaggio alter-ego di Michele Apicella) a Nuova Ostia, negli squallidi prati nei quali ha trovato la morte, nel modo tragico che sappiamo, il poeta (e profeta) Pierpaolo Pasolini, fino a quella specie di monumento, disperso in mezzo ai rifiuti, che segna il luogo della sua fine.

Questo simbolico viaggio finale, metafora delle contraddizioni della città di Moretti, è accompagnato da uno dei momenti più lirici di un'opera certo famosa tra gli appassionati di jazz e di musica moderna, anzi probabilmente uno dei dischi jazz (se è jazz) più venduti di tutti i tempi (oltre un milione di copie), cioè il celebre "Concerto di Colonia" (o Köln Concert) di Keith Jarrett, ma che probabilmente molti hanno scoperto grazie a questo film.

Un esempio comunque lampante di improvvisazione, cioè della essenza del jazz, anche se c'è ben poco dello swing che Duke Ellington riteneva essenziale per questa musica ("don't do anything if there is no swing", era il suo motto), si tratta infatti di una suite ininterrotta, nata per caso e a causa di un pianoforte totalmente inadeguato, nel quale era accordata correttamente solo la parte centrale della tastiera, costringendo Jarrett a rinunciare all'accompagnamento percussivo sul basso e ai trilli, e portandolo naturalmente al lirismo fluttuante che ha tanto fatto amare questa composizione.

E' un episodio per la prima volta autobiografico, parla come noto della vera malattia, della difficile diagnosi e della faticosa guarigione del regista.
Dopo avere mostrato anche un filmato amatoriale della ultima seduta di chemioterapia, l'episodio si chiude, aprendosi contemporaneamente ad un nuovo desiderio di vivere intensamente, che poi pervade tutto il film, e il momento è sottolineato da una notevole canzone interpretata da Fiorella Mannoia (un brano di Enrico Ruggeri e Schiavone, l'album era "Treni a vapore" uno dei migliori della cantante).
Anche qui le parole della canzone sottolineano il momento emotivo, ma in modo più mediato e tangenziale:

"Passo queste mie giornate come sabbia nel deserto
hanno aperto una ferita in più
occasioni cancellate verso i margini del tempo
mentre il vento le trascina giù.
Non danno pace, non hanno sguardi né pietà
ma le voci di rimorsi e pentimenti
non danno più malinconia nell'impossibile regia
delle ipotesi senza una età.
Era la vita che avevo immaginato già ma
diversa nel finale
…………………….."

Nel film, che ha vinto la palma d'oro al festival di Cannes nel 2001, dopo un notevole successo di pubblico (e di critica, anche se con giudizi controversi) è anzitutto citata proprio la prima canzone simbolo, quella di Bianca (dalla quale proviene anche l'attrice simbolo, Laura Morante), cioè "Insieme a te non ci sto più" di Caterina Caselli, intonata dalla famiglia unita, in macchina, prima della tragedia che l'avrebbe sbandata (anche se, forse, solo momentaneamente); la canzone è intonata ironicamente, quasi come un rituale familiare, una fissazione del padre che gli altri benevolmente e sorridendo assecondano, un lessico famigliare condiviso.

Il momento drammatico della presa di coscienza da parte del padre psicoanalista della ineluttabilità del destino che lo ha coinvolto, è il regalo di un disco all'amico del figlio, che contiene il pezzo che sarà poi il motivo conduttore del viaggio verso la Francia, con la fidanzatina di una estate del figlio scomparso, e che in qualche modo riavvicina la famiglia a tre che si stava disperdendo. E' un pezzo poco noto, bellissimo, di un non-musicista, per sua stessa ammissione, cioè di Brian Eno, sperimentatore e inventore della ambient music, della longue music, del post-moderno in musica, e ancora prima personaggio del glam-rock con i Roxy Music di Brian Ferry (quando tutti i cantanti inglesi, a metà degli anni '70, si vestivano da donna, da David Bowie, ai Queen, a Adam Ant, facendo a gara a chi esagerava di più).

Il pezzo si chiama “By This River” ed è uno dei momenti più lirici e raccolti dell’album “Before And After Science” del 1977. Il testo di questo canzone, evocativo e poetico, sembra del tutto in armonia con i momenti nei quali accompagna il film.

• "Inevitabilmente" (L. Schiavone, E. Ruggieri) / Fiorella Mannoia

• "I'm Your Man" / Leonard Cohen

• "Batonga" (Angélique Kidjo,Jean Hébrail) / Angélique Kidjo

• "Didi" / Khaled Hady Brahmin

• "The Köln Concert" / Keith Jarrett